Royal Opera House

El Príncipe Tamino promete a la Reina de la Noche que rescatará a su hija Pamina del encantador Sarastro. Comienza su búsqueda, acompañado por Papageno -pero todo no es como parece-. Tamino y Papageno descubren que Sarastro es un líder sabio y amable. Se someten a tres pruebas.

Al final se unen con sus verdaderos amores: Tamino con Pamina y Papageno con su Papagena. Desde la Royal Opera House de Londres llega esta interesante producción de uno de los títulos más populares de Mozart, con un reparto poco conocido pero de gran interés dada la calidad que mantiene siempre el coliseo británico.

El aclamado director Richard Jones, que ha presentado Boris Godunov o Il trittico en el Covent Garden, dirige esta nueva producción de La Bohème de Puccini. Irresistible en su ingeniosa y apasionada mezcla de comedia y tragedia, la ópera se centra en las vidas de un grupo de jóvenes artistas que viven una vida bohemia en París. Jones trae su visión característicamente aguda a este clásico tan querido por el público, visualizado en los espectaculares diseños estilizados de Stewart Laing. 

La Bohème se presentó por primera vez en el Covent Garden en 1897 y ha tenido más de quinientas representaciones desde entonces. Ahora llega con un gran reparto dirigido musicalmente por el titular de la Royal Opera Antonio Pappano. 

Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas, de Christopher Wheeldon, irrumpió en el escenario en 2011 con una explosión de color, magia escénica y una inventiva y sofisticada coreografía. La partitura de Joby Talbot combina mundos sonoros contemporáneos con grandes melodías, a la manera de los grandes ballets del siglo XIX. La escenografía desenfrenadamente imaginativa y visualmente deslumbrante de Bob Crowley se vale de todo tipo de recursos, desde marionetas a proyecciones, para hacer que el 'País de las Maravillas' resulte maravillosamente real.

Alicia conoce a una serie de personajes extraordinarios e inmediatamente reconocibles, desde la excitable Reina de Corazones -que interpreta una hilarante parodia del famoso Adagio de la Rosa de La Bella Durmiente- hasta un ballet de naipes, una sinuosa oruga y un Sombrerero Loco que baila claqué. Pero el ballet no nos hurta el trasfondo más sombrío del relato de Lewis Carroll: una cocina de pesadilla, un Gato de Cheshire inquietantemente incorpóreo y la enloquecida reunión para tomar el té están todos aquí con vívidos detalles. El delicioso resultado muestra a The Royal Ballet en su esplendor, aunando danza al máximo nivel con un encantador entretenimiento familiar.

Basado libremente en el relato de E.T.A. Homann, el ballet comienza con una animada fiesta navideña y su ambientación victoriana queda reflejada con gran detalle en la escenografía de Julia Trevelyan Oman. La coreografía de Wright incorpora de forma inventiva fragmentos conservados del material original del ballet, incluido el famoso pas de deux para el Hada Confitada y su príncipe. Pero al poner el énfasis en la relación entre Clara y el príncipe cascanueces, la producción también adquiere un emocionante subtexto en referencia al primer amor.

Giuseppe Verdi consiguió con su ‘trilogía popular’, formada por Rigoletto (1851), Il Trovatore (1853) y La Traviata (1853), asentar una madurez como compositor estrella del romanticismo italiano operístico, nunca más superado. Con el bufón Rigoletto como deforme y amoral protagonista, Verdi consigue crear una ópera de melodías inolvidables, con la famosa aria “La donna è mobile” como icónica pieza de tenor, seguramente la más famosa de la historia.

También consigue milagros musicales como el famoso cuarteto “Bella figlia dell’amore”, una escena en la que cada personaje canta una melodía y juntos crean una atmósfera única, alabada por el propio Víctor Hugo, autor de la novela sobre el que se basó el libreto de la ópera. La robustez vocal del barítono griego Dmitri Platanias, la delicadeza de la soprano inglesa Lucy Crowe o el carisma y calidez del canto de Michael Fabiano aseguran un reparto solvente y equilibrado.

Joya del repertorio verista italiano, Tosca es una de las óperas más famosas de Giacomo Puccini, maestro de la orquestación y el dibujo musical de sus protagonistas. Desde su estreno en Roma en 1900, esta ópera ha significado para las sopranos lírico-spinto una pieza de toque ineludible, por la fuerza y carácter de su protagonista principal, una actriz de renombre enamorada de un poeta por el que lo dará todo.

El acto final con un espectacular Te Deum, el asesinato del Barón Scarpia, el adiós a la vida final de Mario Cavaradossi, el aria “Vissi d’arte”, inmortalizada entre otras por la Divina Maria Callas. El número de hits musicales de esta obra maestra la convierte en favorita del público. El clasicismo elegante de Jonathan Kent en la producción y un trío protagonista muy atractivo, encarnado por la intensa soprano canadiense Adrianne Pieczonka, el afamado tenor maltés Joseph Calleja y el refinado barítono británico Gerald Finley, aseguran una velada de calidad, bajo la batuta de Dan Ettinger y el pedigrí de las huestes de la ROH.

Christopher Wheeldon, Asociado Artístico de The Royal Ballet, creó su adaptación de Cuento de Invierno, la gran obra de última época de Shakespeare, para The Royal Ballet en 2014. Tras el éxito de Las aventuras de Alicia en el País de las Maravillas, El cuento de invierno recibió elogios encendidos tras su estreno, aclamado por crítica y público por igual por su historia inteligente, personal y emocionalmente poderosa, contada por medio de danzas de exquisita calidad. Ahora está ampliamente considerado como un clásico moderno del ballet. 

La historia cuenta la destrucción de un matrimonio por culpa de unos celos destructores, el abandono de un niño y un amor aparentemente imposible. Sin embargo, por medio del remordimiento y el pesar -y tras un regreso a la vida en apariencia milagroso-, en la conclusión se dan cita el perdón y la reconciliación. Con una poderosa escenografía de Bob Crowley y una música atmosférica de Joby Talbot, El cuento de invierno es un magistral ballet narrativo moderno

Hablar de la ópera Carmen de Georges Bizet es remitirse a un título fundamental del género lírico. El equivalente femenino al libertario y seductor Don Giovanni de Mozart, vendría a ser en su versión de arquetipo femenino, la cigarrera Carmen. Estrenada en 1875 en la Ópera Comisque de París, Bizet consigue sintetizar en esta obra maestra de la ópera francesa, el carácter folclórico del espíritu español, con el mérito de no haber pisado nunca España.

Los celos, la pasión, la vida errante de la gitana, los toros y los contrabandistas, crean una atmósfera que respira clima mediterráneo como pocas óperas. Es el título del repertorio lírico francés más representado en el mundo entero. Solo en el Covent Garden de Londres, se ha visto más de quinientas veces. En esta producción del siempre inquieto e intelectualizado director de escena australiano, Barrie Kosky, una escenografía de escaleras sempiternas preside una producción física llena de ritmo. 

Leonard Bernstein fue uno de los primeros compositores clásicos que logró en Estados Unidos un éxito tanto popular como entre los críticos. Bebía de fuentes eclécticas - inspirándose en el jazz y en el modernismo, las tradiciones de la música judía y el musical de Broadway - y muchas de las partituras de Bernstein se adecuan extraordinariamente bien a la danza.

Mantuvo una asociación especial con Jerome Robbins, y entre sus colaboraciones conjuntas figuran Fancy Free y West Side Story. Para celebrar el centenario del nacimiento del compositor, The Royal Ballet ha unido a sus tres coreógrafos asociados para celebrar la variedad dinámica y el intrínseco carácter bailable de la música de Bernstein. El programa incluye dos estrenos mundiales del Coreógrafo Residente Wayne McGregor y del Asociado Artístico Christopher Wheeldon, que supone la primera incursión en Bernstein de ambos artistas.

En el centro del programa figura la primera reposición de The Age of Anxiety, del Artista Residente Liam Scarlett, creado en 2014 a partir de la introspectiva Segunda Sinfonía de Bernstein. Tanto la sinfonía como el ballet se inspiran en el magistral poema modernista de W. H. Auden, escrito en respuesta al ambiente de desilusión e incertidumbre que se respiraba tras el final de la Segunda Guerra Mundial.

La relación de amor de Verdi con las obras de Shakespeare duró toda su vida y comenzó con Macbeth, una obra que consideraba “una de las más grandes creaciones del hombre”. Con su libretista, Francesco Maria Piave, Verdi se propuso crear “algo fuera de lo común”. Su éxito queda plasmado en cada uno de los compases de una partitura en la que Verdi muestra su faceta más teatral: es un dechado constante de energía demoníaca.

La producción de Phyllida Lloyd para The Royal Opera, de 2002, es rica en matices y está teñida de los colores negro, rojo y dorado. Las brujas -imaginadas por el diseñador Anthony Ward como unas extrañas criaturas ataviadas con turbantes de color escarlata- son omnipresentes agentes del destino. Lloyd retrata la ausencia de hijos de los Macbeth como la sombría tristeza que acecha detrás de sus terribles actos. La producción de The Royal Opera utiliza la revisión de la ópera que preparó Verdi para París en 1865 y que incluye la fascinante aria de Lady Macbeth “La luce langue”.

MacMillan encontró una nueva empatía con la caprichosa Manon y su lucha por escapar de la pobreza. Los decorados de su colaborador habitual, Nicholas Georgiadis, reflejan esto, retratando un mundo de lujoso esplendor corrompido por la miserable indigencia. Las espectaculares escenas de conjunto de MacMillan para toda la compañía crean vívidos y complejos retratos de las sociedades tan distintas de París y Nueva Orleans. Pero es el apasionado pas de deux de Manon y Des Grieux -que recuerda la intensidad del anterior Romeo y Julieta de MacMillan- el que impulsa esta trágica historia y convierte a Manon en uno de los dramas más poderosos de MacMillan.

El lago de los cisnes ha tenido un papel especial en el repertorio de The Royal Ballet desde 1934. Esta temporada, The Royal Ballet estrena una nueva producción con coreografía adicional del Artista Residente, Liam Scarlett. Aunque permanece fi el al texto de PetipaIvanov, Scarlett aporta una nueva mirada a la escenificación de este ballet clásico, en colaboración con su escenógrafo desde hace años, John Macfarlane. 

El lago de los cisnes fue la primera partitura de ballet de Chaikovski. Dado su estatus actual como probablemente el más amado y admirado de todos los ballets clásicos, resulta quizá sorprendente que en su estreno en 1877 El lago de los cisnes fuera pobremente acogido. Es gracias a la producción de Marius Petipa y Lev Ivanov de 1895 como El lago de los cisnes se convirtió en parte no sólo de la conciencia del ballet, sino también de la más amplia cultura popular. Ese éxito viene asegurado no sólo por la sublime amplitud sinfónica de la partitura de Chaikovski, sino también por los llamativos contrastes coreográfi cos entre las escenas en el palacio real de Petipa y las líricas escenas junto al lago creadas por Ivanov.